Muzyka jest znaczącą częścią kultury światowej, bez niej nasz świat byłby znacznie uboższy. Kultura muzyczna jest środkiem kształtowania osobowości, kształci estetyczne postrzeganie świata przez człowieka, pomaga poznawać świat poprzez emocje i skojarzenia z dźwiękami. Uważa się, że muzyka rozwija słuch i abstrakcyjne myślenie. Zrozumienie harmonii dźwięku jest tak samo dobre dla muzyki, jak dla matematyki. Powiemy Ci o tworzeniu i rozwoju kultury muzycznej oraz o tym, dlaczego ludzie potrzebują tej sztuki.
Koncepcja
Muzyka odgrywa szczególną rolę w życiu człowieka, od czasów starożytnych dźwięki fascynowały ludzi, pogrążyły ich w transie, pomagały wyrażać emocje i rozwijać wyobraźnię. Mądrzy ludzie nazywają muzykę zwierciadłem duszy; jest to forma emocjonalnego poznania świata. Dlatego kultura muzyczna zaczyna się formować u zarania ludzkości. Towarzyszy naszej cywilizacji od samego początku. Obecnie pojęcie „kultura muzyczna” oznacza całość wartości muzycznych, system ich funkcjonowania w społeczeństwie i sposoby ich reprodukcji.
W mowie ten termin jest używany wraz z synonimami, takimi jak muzyka lub sztuka muzyczna. Dla jednostki kultura muzyczna jest integralną częścią ogólnej edukacji estetycznej. Tworzy gust człowieka, jego wewnętrzną, indywidualną kulturę. Poznanie tej formy sztuki ma wpływ transformujący na osobowość osoby. Dlatego tak ważne jest opanowanie muzyki od dzieciństwa, nauczenie się jej rozumienia i postrzegania.
Teoretycy uważają, że kultura muzyczna jest złożoną złożoną całością, która obejmuje umiejętność poruszania się po stylach, gatunkach i kierunkach tej formy sztuki, znajomość teorii i estetyki muzyki, smaku, wrażliwość emocjonalną na melodie oraz zdolność wydobywania treści semantycznych z dźwięku. Również w tym kompleksie mogą obejmować umiejętności wykonywania i pisania. Słynny filozof i teoretyk sztuki M.S. Kagan wierzył, że kulturę muzyczną wyróżnia indywidualny wymiar, tj. Poziom indywidualnej osoby, jej wiedza, umiejętności w dziedzinie tej sztuki, a także poziom grupowy związany z pewnymi subkulturami i segmenty wiekowe społeczeństwa. W tym drugim przypadku naukowiec mówi o edukacji muzycznej i rozwoju dzieci.
Funkcje muzyczne
Tak złożone i ważne zjawisko sztuki, jak muzyka, jest niezwykle konieczne zarówno dla pojedynczej osoby, jak i całego społeczeństwa. Ta sztuka pełni szereg funkcji społecznych i psychologicznych:
1. Formatywne. Muzyka bierze udział w rozwoju ludzkiej osobowości. Kształtowanie się kultury muzycznej jednostki wpływa na jej rozwój, smak i socjalizację.
2. Poznawcze. Poprzez dźwięki ludzie przekazują wrażenia, obrazy, emocje. Muzyka jest rodzajem odbicia świata.
3. Edukacyjne. Jak każda sztuka, muzyka potrafi kształtować w ludziach pewne cechy czysto ludzkie. Nie na próżno istnieje punkt widzenia, że umiejętność słuchania i tworzenia muzyki odróżnia człowieka od zwierzęcia.
4. Mobilizacja i szkic. Muzyka może stymulować osobę do działania. Nie na próżno istnieją marszowe melodie, pieśni robotnicze, które poprawiają aktywność ludzi i je dekorują.
5. Estetyczny. Jednak najważniejszą funkcją sztuki jest umiejętność sprawiania komuś przyjemności. Muzyka budzi emocje, wypełnia ludzkie życie duchową treścią i przynosi czystą radość.
Struktura kultury muzycznej
Jako zjawisko społeczne i część sztuki muzyka jest złożoną formacją. W szerokim sensie w jego strukturze są:
1. Wartości muzyczne produkowane i transmitowane w społeczeństwie. To podstawa kultury muzycznej, która zapewnia ciągłość epok historycznych. Wartości pozwalają nam zrozumieć istotę świata i społeczeństwa; są duchowe i materialne i są realizowane w formie obrazów muzycznych.
2. Różne rodzaje działań związanych z produkcją, przechowywaniem, transmisją, reprodukcją, postrzeganiem wartości muzycznych i dzieł.
3. Instytucje społeczne i instytucje zaangażowane w różnego rodzaju działalność muzyczną.
4. Poszczególne osoby zaangażowane w tworzenie, dystrybucję, wykonywanie muzyki.
W węższym rozumieniu kompozytora D. Kabalevsky'ego kultura muzyczna jest synonimem terminu „umiejętność czytania i pisania”. Według muzyka przejawia się w zdolności do postrzegania obrazów muzycznych, dekodowania ich zawartości i odróżniania dobrych melodii od złych.
W innej interpretacji badane zjawisko jest rozumiane jako pewna ogólna własność osoby, wyrażona w edukacji muzycznej i rozwoju muzycznym. Osoba musi posiadać pewną erudycję, znać pewien zestaw klasycznych dzieł, które kształtują jego gust i preferencje estetyczne.
Muzyka starożytnego świata
Historia kultury muzycznej rozpoczyna się w czasach starożytnych. Niestety, od pierwszych cywilizacji nie ma dowodów na ich muzykę. Chociaż oczywiste jest, że muzyczny akompaniament rytuałów istniał już od pierwszych etapów istnienia społeczeństwa ludzkiego. Naukowcy twierdzą, że muzyka istnieje od co najmniej 50 tysięcy lat. Dokumenty potwierdzające istnienie tej sztuki pochodzą z czasów starożytnego Egiptu. Już wtedy istniał rozbudowany system zawodów i instrumentów muzycznych. Melodie i rytmy towarzyszyły wielu rodzajom ludzkiej aktywności. W tym czasie pojawiła się pisemna forma nagrywania muzyki, która pozwala nam ocenić jej brzmienie. Z poprzednich epok pozostały tylko obrazy i pozostałości instrumentów muzycznych. W starożytnym Egipcie istniała muzyka sakralna, która towarzyszyła kultowi, a także towarzyszyła ludziom w pracy i odpoczynku. W tym okresie najpierw pojawia się słuchanie muzyki w celach estetycznych.
W kulturze starożytnej Grecji muzyka osiąga najwyższy rozwój w tym okresie historycznym. Pojawiają się różne gatunki, ulepszane są instrumenty, choć w tym czasie dominuje sztuka wokalna, powstają traktaty filozoficzne, które konceptualizują istotę i cel muzyki. W Grecji teatr muzyczny pojawia się po raz pierwszy jako szczególny rodzaj sztuki syntetycznej. Grecy dobrze rozumieli siłę wpływu muzyki, jej funkcję edukacyjną, dlatego wszyscy wolni obywatele kraju zajmowali się tą sztuką.
Muzyka średniowiecza
Powstanie chrześcijaństwa w Europie znacząco wpłynęło na cechy kultury muzycznej. Pojawia się ogromna warstwa prac służących instytutowi religii. To dziedzictwo nazywa się muzyką sakralną. Prawie każda katedra katolicka ma organy, w każdej świątyni znajduje się chór, dzięki czemu muzyka jest częścią codziennej służby Bogu. Ale w przeciwieństwie do muzyki sakralnej, powstaje kultura muzyki ludowej, w której jest to zasada karnawałowa, o której pisał M. Bachtin. Pod koniec średniowiecza powstała świecka muzyka profesjonalna, została stworzona i rozpowszechniana przez trubadurów. Arystokracja i rycerze stają się klientami i konsumentami muzyki, podczas gdy ani kościół, ani sztuka ludowa im nie odpowiadają. Jest więc muzyka, która zachwyca słuch i bawi ludzi.
Muzyka renesansowa
Przezwyciężenie wpływu Kościoła na wszystkie aspekty życia prowadzi do początku nowej ery. Ideały tego okresu są starożytnymi przykładami, dlatego też epoka nazywana jest renesansem. W tym czasie historia kultury muzycznej zaczyna się rozwijać głównie w kierunku świeckim. Podczas renesansu pojawiły się nowe gatunki, takie jak madrygał, polifonia chóralna, chanson i chór. W tym okresie powstały narodowe kultury muzyczne. Naukowcy mówią o pojawieniu się muzyki włoskiej, germańskiej, francuskiej, a nawet holenderskiej. System narzędzi w tym historycznym okresie również ulega zmianom. Jeśli wcześniej organ był głównym, teraz struny są przed nim, pojawia się kilka rodzajów altówek. Rodzaj klawiatur został również znacznie wzbogacony o nowe instrumenty: klawikordy, klawesyn i coś, co zaczęło zdobywać miłość kompozytorów i artystów.
Muzyka barokowa
W tym okresie muzyka nabiera brzmienia filozoficznego, staje się specjalną formą metafizyki, a melodia ma szczególne znaczenie. Tym razem wielkich kompozytorów, w tym okresie stworzyli A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Epoka baroku naznaczona była pojawieniem się sztuki takiej jak opera, w tym czasie powstały także oratoria, kantaty, toccates, fugi, sonaty i apartamenty. To czas odkrywania, komplikacji form muzycznych. Jednak w tym samym okresie rośnie podział sztuki na wysoki i niski. Kultura muzyki ludowej jest oddzielona i niedozwolona w tak zwanej muzyce klasycznej w następnej erze.
Muzyka klasycyzmu
Bujny i przesadny barok ustępuje surowemu i prostemu klasycyzmowi. W tym okresie sztuka kultury muzycznej została ostatecznie podzielona na gatunki wysokie i niskie, ustalono kanony dla głównych gatunków. Muzyka klasyczna stała się sztuką salonów, arystokratów, nie tylko daje przyjemność estetyczną, ale także bawi widzów. Ta muzyka ma swoją nową stolicę - Wiedeń. Okres ten upłynął pod znakiem pojawienia się takich geniuszy jak Wolfgang Amadeusz Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. W dobie klasycyzmu ostatecznie ukształtował się system gatunkowy muzyki klasycznej, takie formy jak koncert, pojawiła się symfonia, a sonata została zreformowana.
Pod koniec XVIII wieku w muzyce klasycznej ukształtował się styl romantyzmu. Reprezentują ją tacy kompozytorzy jak F. Schubert, N. Paganini, później romantyzm wzbogacony został imionami F. Chopina, F. Mendelssohna, F. Liszta, G. Mahlera, R. Straussa. W muzyce zaczyna się doceniać teksty, melodię i rytm. W tym okresie powstały krajowe szkoły kompozytorskie.
Koniec XIX wieku upłynął pod znakiem antyklasycznych nastrojów w sztuce. Pojawiają się impresjonizm, ekspresjonizm, neoklasycyzm, dodekafonia. Świat jest u progu nowej ery, co znajduje odzwierciedlenie w sztuce.
Muzyka XX wieku
Nowy wiek zaczyna się od nastrojów protestacyjnych, muzyka przechodzi także rewolucyjne zmiany. Po pierwszej wojnie światowej kompozytorzy szukają inspiracji w przeszłości, ale chcą nadać starym formom nowy dźwięk. Czas eksperymentów się zaczyna, muzyka staje się bardzo różnorodna. Sztuka klasyczna kojarzona jest z tak wielkimi kompozytorami, jak Strawiński, Szostakowicz, Bernstein, Szkło, Rachmaninow. Pojawiają się pojęcia atonalności i aleatoryki, co całkowicie zmienia ideę harmonii i melodii. W tym okresie postępują procesy demokratyczne w kulturze muzycznej. Jest pop i przyciąga uwagę ogółu, później jest taki protest muzyczny jak rock. W ten sposób powstaje nowoczesna kultura muzyczna, charakteryzująca się mnóstwem stylów i kierunków, mieszanką gatunków.
Obecny stan kultury muzycznej
Pod koniec XX - początku XXI wieku muzyka przechodzi etap komercjalizacji, staje się szeroko rozpowszechnionym produktem, co znacznie obniża jej jakość. W tym okresie możliwości instrumentów znacznie się rozszerzają, muzyka elektroniczna i instrumenty cyfrowe pojawiają się z niespotykanymi zasobami ekspresyjnymi. W muzyce akademickiej dominuje eklektyzm i polystylizm. Współczesna kultura muzyczna to wielka patchworkowa kołdra, w której znajdują swoje miejsce i awangardę, a także rock, jazz i trendy neoklasyczne oraz sztukę eksperymentalną.
Historia rosyjskiej muzyki ludowej
Początków rosyjskiej muzyki narodowej należy szukać w czasach starożytnej Rosji. Tendencje tego okresu można oceniać tylko na podstawie fragmentarycznych informacji ze źródeł pisanych. W tamtych czasach muzyka rytualna i codzienna była szeroko rozpowszechniona. Od czasów starożytnych pod carami byli profesjonalni muzycy, ale znaczenie dzieł folklorystycznych było bardzo duże. Rosjanie kochali i umieli śpiewać, najpopularniejszy był gatunek domowych piosenek. Wraz z nadejściem chrześcijaństwa rosyjska kultura muzyczna została wzbogacona o sztukę duchową. Kościelny śpiew chóralny pojawia się jako nowy gatunek wokalny. Jednak przez wiele stuleci tradycyjne jednomyślne śpiewanie dominowało w Rosji. Dopiero w XVII wieku ukształtowała się narodowa tradycja polifonii. Od tego czasu muzyka europejska dotarła do Rosji ze swoimi gatunkami i instrumentami i zaczyna się różnicowanie w muzykę ludową i akademicką.
Jednak muzyka ludowa w Rosji nigdy nie zrezygnowała ze swoich pozycji, stała się źródłem inspiracji dla rosyjskich kompozytorów i była bardzo popularna wśród zwykłych ludzi i arystokracji. Widać, że wielu kompozytorów klasycznych przeszło na ludowy bagaż muzyczny. Tak więc M. Glinka, N. Rimski-Korsakow, A. Dargomyzhsky, I. Czajkowski szeroko stosował w swoich dziełach motywy folklorystyczne. W okresie sowieckim muzyka folklorystyczna była szeroko poszukiwana na poziomie państwowym. Po upadku ZSRR muzyka folklorystyczna przestała służyć ideologii, ale nie zniknęła, ale przyjęła swój własny segment w ogólnej muzycznej kulturze kraju.
Rosyjska muzyka klasyczna
Ponieważ ortodoksja od dawna zakazuje rozwoju muzyki świeckiej, sztuka akademicka rozwija się w Rosji dość późno. Począwszy od Iwana Groźnego, europejscy muzycy mieszkali na dworze królewskim, ale kompozytorów jeszcze nie było. Dopiero w XVIII wieku rosyjska szkoła kompozytorska zaczęła się kształtować. Jednak przez długi czas muzycy byli pod wpływem sztuki europejskiej. Nowa era kultury muzycznej w Rosji rozpoczyna się od Michaiła Glinki, uważanego za pierwszego rosyjskiego kompozytora. To on położył podwaliny rosyjskiej muzyce, która czerpała motywy i środki wyrazu ze sztuki ludowej. To stała się charakterystyczną cechą rosyjskiej muzyki. Podobnie jak we wszystkich sferach życia, muzyka rozwijała kierunek ludzi Zachodu i Słowianofilów. Do pierwszego z nich należeli N. Rubinstein, A. Glazunow, drugi - kompozytorzy Potężnej garści. Ostatecznie jednak zwyciężyła idea narodowa i wszyscy rosyjscy kompozytorzy w różnym stopniu, ale mają motywy folklorystyczne.
Szczyt przedrewolucyjnego okresu muzyki rosyjskiej uważany jest za dzieło P.I. Czajkowskiego. Na początku XX wieku rewolucyjne zmiany znalazły odzwierciedlenie w kulturze muzycznej. Kompozytorzy eksperymentują z formami i środkami wyrazu.
Trzecia fala rosyjskiej muzyki akademickiej związana jest z imionami I. Strawińskiego, D. Szostakowicza, S. Prokofiewa, A. Skriabina. Okres sowiecki był bardziej czasem dla wykonawców niż kompozytorów. Chociaż pojawili się wybitni twórcy: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Po rozpadzie Związku Radzieckiego muzyka akademicka w Rosji niemal całkowicie weszła w życie.
Muzyka popularna
Kultura muzyczna to jednak nie tylko muzyka ludowa i akademicka. W XX wieku muzyka popularna zajmuje pełne miejsce w sztuce, w szczególności jazz, rock and roll i pop. Tradycyjnie kierunki te uważa się za „niskie” w porównaniu z muzyką klasyczną. Muzyka popularna pojawia się wraz z tworzeniem się kultury popularnej i ma służyć estetycznym potrzebom mas. Dzisiejsza pop-art jest ściśle powiązana z koncepcją show-biznesu, nie jest to jednak sztuka, ale przemysł. Ten rodzaj produkcji muzycznej nie spełnia funkcji edukacyjnej i formacyjnej nieodłącznie związanej ze sztuką; właśnie to daje teoretykom możliwość lekceważenia muzyki pop przy rozważaniu historii kultury muzycznej.
