Delone Robert jest znany na całym świecie jako twórca nowego stylu sztuki. Bez wykształcenia artystycznego był w stanie zostać innowatorem, powierzając wszystko kolorowi. Jego wiernym towarzyszem i współautorem była jego żona, która wyemigrowała podczas rewolucji z Odessy.
Przez całe życie starał się osiągnąć doskonałość tylko za pomocą koloru, powierzając mu wszystkie funkcje. Udało mu się to osiągnąć, ale choroba i wojna uniemożliwiły mu rozwój pracy.
Krótka biografia
Delone Robert urodził się 12 kwietnia 1885 roku w Paryżu. Z powodu wczesnego rozwodu rodziców jego wujek zaangażował się w wychowanie chłopca. Młody człowiek nie przeszedł specjalnego szkolenia plastycznego. Jednak pod wpływem dzieła Gauguina i Cezanne'a, w wieku dwudziestu lat, znalazł się w malarstwie.
Podczas wojny 1914–1918 Przeprowadził się do Hiszpanii i Portugalii. Do rodzinnego miasta powrócił dopiero w 1921 roku. Brał udział w monumentalnych pracach na światowej wystawie w 1937 r., Która odbyła się w stolicy Francji.
Na początku II wojny światowej artysta wyjechał do Owernii, ale poważna choroba już postępowała. Robert zmarł 25 października 1941 r. W wieku pięćdziesięciu sześciu lat. Przyczyną śmierci był rak.
Życie rodzinne
W wieku dwudziestu trzech lat Delone Robert powrócił ze służby wojskowej i poznał Sonyę Turk (imigrantkę z Odessy). Pobrali się dwa lata później - w 1910 roku. Rok później urodził się ich syn Charles.
Żona stała się podobnie myślącą artystką, a także współautorką prac projektowych i użytkowych. Na przykład wspólnie pracowali nad arcydziełem wspomnianej wystawy z 1937 r.
Małżonkowie położyli podwaliny pod własną koncepcję artystyczną. Był radykalnie różny od tego, który rozwinął się od czasów renesansu.
Główny cel
Delone Robert uważał, że jego głównym zadaniem w malarstwie było ukazanie chaosu plam barwnych. Wielokrotnie powtarzał, że kocha przede wszystkim kolor, w przeciwieństwie do ogólnej masy ludzi, którzy preferują światło. Z powodu miłości do światła nasi przodkowie wymyślili ogień, a mistrz przeciwstawił się temu i przedstawił go w każdej ze swoich kompozycji.
Kreatywny sposób
Na początku swojej kariery malarskiej Robert Delaunay inspirował się impresjonizmem. Lubił dzieło Gauguina (okres bretoński). Od 1906 roku pociągał go postimpresjonizm. Ale kreacje Cezanne'a miały większy wpływ.
Artysta na swój sposób rozwiązał problem niedopasowania głośności do koloru. Dlatego jego kubizm był oryginalny. Było to wyrażone w obrazach z 1906 r., Na których przedmioty były otoczone świetlistą aureolą.
Według artysty wzór liniowy prowadzi do błędu. Znalazł go wśród wielu znanych kubistów. Zdając sobie sprawę, jak przełamać linie, całkowicie starał się od nich uciec. Aby to zrobić, wrócił do „osobnej” plamy postimpresjonizmu. Umożliwiło to rozróżnienie form bez użycia konturów.
W 1912 roku mistrz przeszedł na technikę kolorystyczną i zajął się nią. Pomogła artystce osiągnąć to, czego chciała, gdy formy na płótnach powstały poprzez korelację różnie pomalowanych płaszczyzn. Przestrzeń jest uzyskiwana przy użyciu niekonsekwencji tonalnych.
Główne okresy kreatywności
Konstruktywny
Artysta Delaunay, Robert, uważał, że kolor sam w sobie jest cenny, dlatego z jego pomocą zastąpił większość elementów, takich jak obraz z perspektywą i objętością światłocieniem. Okres rozpoczął się w 1912 r. Starał się, aby forma, kompozycja, fabuła były przekazywane wyłącznie w kolorze.
Mistrz odkrył jakość koloru, znaną jako moc dynamiczna. Zauważył, że kolory znajdujące się w pobliżu mogą prowadzić do pewnego rodzaju wibracji. Umożliwiło to twórcy symulację ruchu kompozycji.
Przykładem tego okresu są obrazy z zespołu „Okrągłe kształty”.
Iberyjski
Delone Robert, którego praca jest kwestionowana, podczas działań wojennych w latach 1914–1917. mieszkał w Portugalii, w Hiszpanii. Tutaj zaczął stosować nową technikę, przedstawiającą ludzkie ciało i różne przedmioty.
Artysta był w stanie pogłębić powstającą koncepcję „dysonansu” w sztukach wizualnych. W jego interpretacji było to zestawienie koloru z szybkimi wibracjami. W latach dwudziestych ubiegłego wieku doskonalił swój własny język artystyczny.
Przykładem jest obraz „Portugalska martwa natura”.
Drugi streszczenie
Artysta powrócił do problemów, które próbował ograniczyć w zespole „Round Forms” w 1930 r. Delaunay stworzył inne prace na ten sam temat. Okazały się bardziej dynamiczne i ogólnie doskonalsze z technicznego punktu widzenia.
Prawdziwe rozwiązanie mógł znaleźć w serii „Radość życia”. W tych obrazach artysta uciekał się do technologii, za pomocą której potrafił rozróżniać fragmenty i skupiać się wyłącznie na kompozycji.
Przykłady dzieł tego okresu to „Rythms”, „Endless Rhythms”.
Okres monumentalny
Robert Delaunay (biografia jest nierozerwalnie związany z Sonyą Turk) widział w swoim obrazie monumentalną postać. Wyjaśnił swoim towarzyszom i wyznawcom, że przechodząc od pracy nad jednym stworzeniem do drugiego, a następnie do następnego, można uzyskać zespół. Takie malarstwo, jego zdaniem, nie niszczy architektury, ale sprawia, że kolory grają na powierzchni.
W swojej pracy z Relief Rhythms francuski artysta wykorzystał, a nawet wynalazł materiały, które byłyby odporne na działanie środowiska zewnętrznego.
W 1937 r. Organizatorzy wystawy w Paryżu zaproponowali zajęcie się projektowaniem dwóch budynków. Delaunay miał więc okazję połączyć architekturę ze swoimi dziełami. Stworzył ogromne panele reliefowe.
W podobnym, monumentalnym stylu były najnowsze dzieła, takie jak „Okrągły rytm”, „Trzy rytmy”. Stały się rodzajem duchowego testamentu autora. Kolejne twórcze poszukiwania Delaunaya przerwały chorobę, a następnie śmierć.
Seria obrazów
Mistrz odmówił w swojej pracy ze zwykłych środków, od standardowego sposobu myślenia. Postanowił powierzyć wszystko kolorowi. Obecne teorie naukowe potwierdziły twórcze dążenie do mistrza. Wyjątkowo kolorowy, udało mu się pokazać nowe postrzeganie przestrzeni, dynamikę materiału.
Będąc paryżanką, artysta nie mógł zignorować głównego budynku architektonicznego naszych czasów. Dlatego przedstawił na płótnach symbol swojego rodzinnego miasta, Roberta Delaunaya. Wieża Eiffla to seria obrazów, które namalował od 1909 roku. Światło płynie w nich zewsząd, w wyniku czego obraz się rozpada. Każdy fragment ma swoją własną perspektywę.
W 1912 roku stworzył zespół „Windows”, w którym przestrzeń jest ukazana za pomocą kontrastów kolorów. Stworzyli głębokość bez potrzeby światłocienia.
W 1914 r. Namalował obraz „Na cześć Bleriot” z cyklu „Okrągłe kształty”. W nim fabuła ma drugorzędne znaczenie. Podczas tworzenia ruch jest sukcesywnie przenoszony za pomocą naprzemiennych kształtów. Powróci do tej serii w 1930 roku, tworząc bardziej zaawansowane i dynamiczne prace.
W 1920 roku ukazało się jego dzieło „Naked with a Book”, w którym artysta zastosował nową technikę przekazywania ciała ludzkiego.
Robert znajdzie prawdziwe rozwiązanie dla swoich twórczych dążeń w serii lat trzydziestych „Radość życia”.
