Gotyk to okres rozwoju sztuki, który istniał w środkowej, zachodniej i częściowo w Europie Wschodniej w średniowieczu. Zmieniła styl romański, stopniowo go zastępując. Gotyk odnosi się do wszystkich dzieł tego okresu: malarstwa, rzeźby, fresków, witraży, miniatur książek. Często ten styl jest określany jako „niesamowicie majestatyczny”. Artykuł będzie mówił o rzeźbie w stylu romańskim i gotyckim.
Pośpiesz się
Aby zrozumieć sztukę rzeźby gotyckiej, należałoby powiedzieć kilka słów o ogólnym kierunku. Gotyk powstał w północnej Francji w połowie XII wieku, a w XIII wieku rozprzestrzenił się na terytoria, na których dziś znajdują się kraje takie jak Niemcy, Austria, Czechy, Hiszpania, Anglia. Później przeniknął do Włoch, a nawet później do Europy Wschodniej, utrzymując się tam aż do XVI wieku.
W przeciwieństwie do okrągłych łuków, masywnych ścian i małych okien charakterystycznych dla stylu romańskiego, architektura gotycka ma łukowate blaty, wysokie i wąskie wieże, kolumny, fasady ozdobione rzeźbionymi detalami, lancet, wielokolorowe okna.
Pochodzenie terminu „gotyk”
Termin „gotyk” charakteryzuje się niezwykłą historią i konotacją. Co ciekawe, współcześni tego stylu nigdy go nie używali. Prawdopodobnie byliby bardzo zdziwieni, gdyby dowiedzieli się, że majestatyczne monumentalne budynki, ozdobione witrażami i ornamentami, będą nazywane słowem, które jest synonimem słowa „barbarzyństwo”.
Początkowo termin „gotyk” był obelżywy, ponieważ został zinterpretowany przez krytyków jako opisujący odejście od klasycznych idei i proporcji. W szerokim znaczeniu oznaczało to budynki ze spiczastymi łukami. W przeciwieństwie do poziomego stosowanego w stylu romańskim, zastosowano tutaj styl pionowy.
W sztuce romansu
Aby zrozumieć cechy rzeźby gotyckiej, należy powiedzieć o stylu romańskim, z którego wyrósł gotyk. W Cesarstwie Bizantyjskim rzeźba została odrzucona przez kościół, ponieważ wiązała się z pogaństwem. W kulturze romańskiej rzeźba monumentalna, a zwłaszcza płaskorzeźba, jest szeroko rozpowszechniona. Początek jego świetności sięga 1100 roku.
W tamtych czasach sztuka monumentalna i dekoracyjna była wykorzystywana jako narzędzie do zastraszania odstępców. Powstały majestatyczne kompleksy romańskich katedr, w których kompozycjach często występowały postacie ludzkie, które odgrywały w nich dużą rolę. Kompozycje te powstały na podstawie legend z Pisma Świętego i przypowieści budujących.
Centralny obraz
W rzeźbie romańskiej był to Jezus Chrystus. Z wyglądu i charakteru zbliżył się do Boga Ojca, który był postrzegany jako straszny sędzia świata, ogłaszając ludzkości nieubłagane zdanie.
Chrześcijańskie legendy, przypowieści, straszne apokaliptyczne wizje, obrazy Sądu Ostatecznego i obrazy mitologiczne ze starożytnych wierzeń ludowych, albo w postaci karnawałowych masek, albo w postaci dziwaków z szyderczymi grymasami, często fantastycznie współistniejących na rzeźbionym kamiennym dywanie.
Następnie należy powiedzieć o roli rzeźby w gotyckiej katedrze.
Połączenie z architekturą
Średniowieczne rzeźby gotyckie były ściśle związane z architekturą, podobnie jak romańska. Katedry obu okresów górowały nad miastem, co wskazuje na znaczenie i wielki wpływ religii we wszystkich dziedzinach życia.
Gotycki styl rzeźbiarski bierze swój początek we Francji. W tym kierunku pierwsze prace to posągi znajdujące się na portalu bazyliki w Saint-Denis, a także w katedrze w Chartres. Następnie rozprzestrzenił się w całej Europie i był popularny do początku New Age, kiedy sztukę gotycką zastąpiła sztuka renesansowa, skupiona na tradycjach starożytności.
Początkowo gotyckie rzeźby Francji powstały z kamiennych bloków i jednocześnie pozostały ich częścią. Wtedy nie istniały niezależne, oddzielnie rozmieszczone posągi. Powolny rozwój rzemiosła z tworzywa sztucznego, mający na celu wyrzeźbienie poszczególnych postaci z proporcjonalnie wcielonymi częściami ciała, rozpoczął się na początku XIII wieku.
Charakteryzowały się wieloma szczegółami i ekscesami. Jeśli rzeźba grecka odzwierciedla idee widoczności i prostoty, to gotyk skłaniał się ku złożoności, grotesce i elegancji. Jest to tak złożona mieszanka pomysłów i elementów, która daje wyobrażenie, że jest to postać wykonana w tym stylu.
Posągi i płaskorzeźby
Podobnie jak klejnoty zdobiące biżuterię, posągi były ozdobą nowych budynków. Na fasadach umieszczono gotyckie rzeźby, które pomagały kształtować kontury budowli i ich rysunek, dekorowały portale, łuki i przypory. Wraz z freskami i innymi dziełami sztuki, w galeriach, ramach okiennych, szczytach, na zewnątrz budynku i jego wnętrza można zobaczyć monumentalne dzieła rzeźbiarskie.
Podstawą kompozycji, podobnie jak w sztuce romańskiej, były głównie historie biblijne i ewangeliczne. Ciała niekoniecznie chowały się pod ubraniem, a jej okładki podkreślały formy. Mistrzowie przeprowadzali eksperymenty, starając się dać swoim dziełom więcej życia i mobilności. Tak więc na przykład zmięte lub głębokie fałdy znajdujące się na sukience w pobliżu posągów podkreślały gwałtowność ruchów, ich ostrość podczas skręcania.
Rzeźba gotycka w Hiszpanii i we Włoszech
W Hiszpanii była zorientowana na francuski i dlatego miała wiele podobieństw z nią. We Włoszech powstała niezależna gotycka szkoła tworzyw sztucznych. Tutaj rzeźba niekoniecznie była już kojarzona z rozwiązaniami architektonicznymi.
Służyła bardziej, aby stworzyć wystrój zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Posągi umieszczono w parkach, na placach miejskich. Prace związane ze szkołą włoską, coraz mniej związane ze sztuką Bizancjum i coraz bardziej grawitujące do antycznych wzorów.
W Niemczech
Tam na początku XIII wieku pracowali głównie architekci i rzeźbiarze, którzy uczyli się u francuskich mistrzów. Woleli instalować posągi we wnętrzu. Najjaśniejszym przedstawicielem wczesnego germańskiego plastiku gotyckiego jest tak zwany mistrz Bamberg. Jego rzeźbiarskie postacie mają wyraziste twarze i silne ciała.
Jednocześnie w Niemczech w tym czasie istniały inne nurty architektury gotyckiej. Na przykład rzeźby zdobiące katedrę w Strasburgu mają głowy wykonane bardziej umiejętnie niż ich ciała. Szczyt rozwoju rzeźby okresu gotyckiego w Niemczech nastąpił na początku XIV wieku.
Najpopularniejsze tematy to wizerunek ukrzyżowanego Jezusa Chrystusa lub innych postaci rannych i dręczonych cierpieniem. Na spotkaniu z okresu gotyku rozpowszechniła się rzeźba przedstawiająca „piękną Madonnę”. To Dziewica Maryja trzyma dziecko w ramionach. Rzemieślnicy przywiązywali dużą wagę do dekoracji bogatej sukienki. Przedstawili samą Mary jako młodą, piękną, zmysłową dziewczynę.
W późnym średniowieczu
Gotycka rzeźba tego okresu jest całkowicie podporządkowana ideologii chrześcijańskiej. Wciąż jest ściśle związany z architekturą i powstaje zgodnie z zasadami dotyczącymi wizerunku świętych postaci. Jako sztuka niezależna również nie jest brana pod uwagę.
Rzeźba przeznaczona była nie tylko do ozdabiania klasztorów i świątyń, ale także służyła jako nośne części złożonych struktur architektonicznych. A także, wraz z ikonami, była przedmiotem czci.
Symbolika
Podobnie jak sztuka średniowieczna, a szczególnie sztuka gotycka, mają znaczenie symboliczne, będąc rodzajem kodu. Obejmuje to uwielbienie czynów dokonanych w imię wiary przez chrześcijańskich świętych i inne biblijne znaczenia. Oprócz postaci ze Starego Testamentu, Jezusa, Dziewicy Maryi i apostołów, gotycka rzeźba przedstawiała królów, władców i różnych mężów stanu. W tych dziełach sztuki średniowieczna powściągliwość, oderwanie i statyczność już zaczynają zanikać. Ustępuje dynamizm, emocjonalność, indywidualizacja cech.
Ale te zmiany są tylko nakreślone i chociaż celowe uproszczenia i schematy zastąpią autentyczność i humanizm związany z renesansem, minie kilka stuleci. Dokonano zmian w interpretacji obrazu Chrystusa przez rzeźbę gotycką. Jak wskazano powyżej, we wczesnym średniowieczu był uważany za wszechmocnego i budzącego grozę sędziego. Teraz coraz częściej pojawia się jako mądry pasterz, dobry mentor i nauczyciel. Jego rysy są złagodzone, na nim można zobaczyć pozór uśmiechu.
Należy zauważyć, że takie zmiany nie dotyczą rzeźb przedstawiających krucyfiks. Autorzy dokładają wszelkich starań, aby cierpienie Jezusa na krzyżu było jak najbardziej żywe i wiarygodne. Mistrzowie tamtej epoki wykazują zainteresowanie wewnętrznym światem swoich bohaterów. Rzeźbiarze szukają możliwości przekazania wewnętrznego świata osoby, a zwłaszcza jej charakteru. Dostrzegają indywidualność rysów twarzy, osiągają realizm w obrazie poz, gestów, fałd odzieży.
